這篇文章最早應該是在1991到92年間完成。本來是交由當時的"音樂生活"雜誌刊行，但是當時的這家雜誌數度轉手，到底如何就不得而知。而後大概在95或96年間，本文再由當時的古典音樂雜誌刊行。寫作這篇時，既無網路、當然更無youtube，但是現在看來，當時的憂心在今日似乎是更加的明顯、誇張。若是加上今天的網路世界，有更多問題將會淹沒這篇章。
前言 資訊愈來愈發達的社會型態，固然大幅的縮短了人與人之間的距離，卻也同時造就了不可避免的複雜，這種情形在藝術活動的領域裡，我們甚至必須將之視為一種隱憂。現代人在一定時間過程中所接受的資訊，在量的方面不知是百年前人類的幾倍。然而，人的腦力開發以及處理資訊的能力卻無法隨之增加（透過訓練固然可以增加這些能力，但基本上人腦生物上的進步卻無法跟得上科技的速度），因此，與過去人類的生活相較，現代人的生活，在質的方面自然顯得無力提昇。或許從這一個角度，也可以解釋現代社會的亂象，以及現代生活益形粗糙的情形。當然，本文的重點並不在於對這些情形作深入的探討，抑或尋求解決之道，只是藉此對以下將提及的內容，作一個大環境都前言。
很明顯，也是一個事實，百年前的藝術家、樂評家或是愛樂者，在判斷音樂(或其他藝術)的美或不美時，所要面對的問題，比起我們要來得單純許多（當然這是站在我們的角度與理解）。某一地方的某一愛樂者，可能終其一生未曾聽聞外地的音樂活動，縱有外來的音樂家，其音樂活動亦在當地發生，此愛樂者的感受或欣賞過程亦必然是當時當地的。最重要的是，在他對某一演出產生某一種心靈的悸動之後，通常有足夠的時間得以消化、吸收，甚至將此一情緒轉化至生活當中，成為生命的一部分。因此他自然能輕易地將這些成長回饋至音樂活動之中，而促成一種良性的循環。
反觀現代人的音樂旅程，顯然複雜太多了。現代的愛樂者，經常很自然而不自覺地，聽著與前一刻截然不同的音樂，可能是不同風格、不同時代、不同類型的音樂。比方說，我剛聽完魯賓斯坦所演奏的蕭邦，而下一刻我換聽柯爾托所演奏的蕭邦，假使我的修養夠好，又是有意識地作此選擇，可能會有較多正面的意義產生。否則，就一般的情形而言，最有可能產生的反應是：「柯爾托怎麼這麼彈？怎麼彈錯那麼多音？錄音怎麼那麼難聽？」在這個時候，不僅柯爾托對他有害，魯賓斯坦對他而言也是有害，因為，他將認定魯賓斯坦的蕭邦才是「對」的，因為他較「好聽」。這裡先是突顯出不相同的美學背景產物，在過分相近的時間裡產生的危機。上述的例子對今日發達的資訊而言，還只能算是小事。在市場上，透過媒體的炒作，消費者一股腦的將巴洛克音樂、古典樂派音樂、浪漫樂派音樂、各民族的民俗音樂、搖滾樂、爵士樂等等通通搬回家，迫不及待地將它們「聽完」，然後以「愛樂者」的身份自居。等到他聽過一千張唱片之後，再以他所學來的引導下一代的消費者，產生了社會上一群「消費性」的愛樂者。音樂，非但沒有在這種人的身上產生任何正面的影響，卻可悲的成為標榜身分的工具。在此種惡性循環的情形下，造成了藝術活動的兩極化（其實何只兩極）。對某些合他胃口的音樂或演奏者盲目的崇拜，反之則盲目的拒絕，導致一群盲目愛樂者的產生。
另一方面，未經「醇化」的美感經驗大量累積，產生了兩種極端：過度客觀──聽不到自己心裡的聲音，或過度主觀──只聽到自己想聽的聲音，而這種情形對音樂家的害處比起一般愛樂者更加嚴重（因為他又塑造了另一個循環的惡性循環）。過量的資訊傳播以及過度商業化的藝術活動，使得藝術逐漸失去了活性，成為死的藝術。以帕爾曼與祖克曼這兩位背景、地位相當，風格卻截然不同的小提琴家來作例子，假如一百個人中有九十九個人以為某一個「比較好」，持反對意見的人，勢必被當成不懂的人。筆者的意思並不是說九十九個人是對、抑或那孤獨的一人是對，只是想表達在不同的情形下，可能會有不同的意義產生。重點是，由於大量的、多數的資訊，隱沒掉罕見的、少數的價值與聲音，使得新生代的音樂家愈來愈「統一」，縱使故意標新立異，其本質亦無法改變。六O年代之後的演奏家們「長」得愈來愈趨向一致，或許正可拿來當作這個情形的註腳。
因此，不論是純粹的愛樂者，或是音樂工作者，在面對這麼大量的資訊時，就必須要有相當的勇氣與智慧了。充足的資訊當然是必須的，也是科技發展帶給人們的福氣，但「水可載舟，亦可覆舟」，如何善加運用這些資訊，就成為現代人最重要的課題。我們把這個資訊鎖定在「唱片」這一個方向，但是筆者相信，藝術活動的其他面向，這些態亦是可以輕易地轉化。
出現在大量的唱片背後的問題，就是所謂的「版本比較」。CD尚未問世之前，LP是一般人欣賞音樂最佳的軟體。然而，LP的麻煩眾所皆知，沒有相當的耐心與興趣，接觸不了多久就很容易放棄，固然少了這一方面的收穫，但也不會受其毒害。而能夠持續下去的，只要是以音樂為目的，而非音響者，通常較少看到偏執的情形。可能是因為LP的低流通性，「版本比較」通常是在家哩，或個人，或三五好友之下產生的。這種不具任何商業行為的活動，因為必須付出心力，否則不可能產生，多少總會給參與者相當的正面意義。然而，CD偉大的時代來臨之後，唱片流通性高，不僅可以大量生產（類比錄音有壽命的問題，數位化之後，則幾乎無此問題），也讓版本比較這種原本較學術化的事情變得商業化。版本比較搬上檯面，變成是別人在解決問題，而非自己解決問題，而這種過程假如又滲入商業行為，那結果真是難以想像。不管是那一種方式的比較，版本比較都有不能取代的優點與價值，問題是，我們該用那一種態度、那一些方法去面對它。
以一種較狹義、理想的方式來解釋版本比較，可以是「比較不同版本所呈現的異同，並建立不同版本間的不同價值或地位」，也就是說透過版本比較的過程，去了解不同版本個別所呈現的藝術觀與見解。在這之後，當然可能產生「比較喜歡」與「比較不喜歡」的結果，但是這種透過自我，站在「欣賞」的客觀立場，而非「批判」的立場所得來的喜好，是有意義的。可惜的是，大部分社會上的這類活動，不論是以公開的座談會，或是媒體文字敘述等方式所進行，大部分皆非如此。最常看到或聽到的字眼，就是「因為他怎麼樣所以好」，或是「因為他不怎麼樣所以不好」。怎麼樣所以好或不好的問題，假使是有學術基礎作為後盾，自然有其價值，但是，藝術行為中有許多強烈的心靈活動是難以，甚至不可能單純的用理論來歸究一切的。在這種情形下，「品味」就顯得相當重要，然而品味是很個人化的事情，你可以找到品味相當的人，卻難以找到品味一樣的人，更遑論大部分的人品味都不甚一致。因此，筆者以為，版本比較不適合公開式的，而適合個人，或三五好友之間來進行。
另一方面，「樂評」這一件事情，我們可以將其視為樂評人透過自己的版本比較行為之後，將其結果以文字敘述的方式傳達給讀者，假使沒有提出自己的見解，那樂評自然毫無價值。重點是樂評人必須是客觀的、忠實的將所知所感寫下來，讀者也必須用同樣的心血，過濾、思考樂評人所提及的重點，而非盲目地相信樂評的內容，或迷信知名的樂評人。最糟糕的就是被商業化的樂評牽著鼻子走，或是被錯誤的介紹所誤導。把驢當成馬，或把馬當成驢都不好，因為驢是驢，馬是馬，本來就完全不同。
建立自己的聆聽方向，或版本比較的方式，當然是必須的。但是筆者強調，正確的觀念才會有正確的方法，才能得到正確的結果。兩個不一樣的人依循自己的良心去做同樣的事情，感受縱有雷同，也必然各有其不同的價值。同時代的人如此，更遑論時空錯隔？能夠欣賞歐伊斯特拉赫、海飛茲、米爾斯坦、克萊斯勒等大師演奏同一首作品的人，固然是最幸福的，但是假如有足夠客觀、自發性的理由，偏好某人亦無不可，只是不能盲目地冠上形容詞，去否定、或讚揚某一個音樂家或音樂，那必然是有害無益。
從一個不太嚴格的論點來說，音樂欣賞的過程中帶有強烈地「自由心證」得意味。同一個人在不同時間、場合聆聽同一版本的音樂時，音樂帶給他的感受、意義可能會有程度不一的差異，同一首樂曲對同一個人在不同年齡時所產生的影響，則更有明顯的差別（或許我們可以把同一版本在不同時間或場合聆賞這件事，亦當作版本比較的一個方法，當然這是主觀性很強的作法）。在不同年齡層，不同文化背景，甚至不同性別等等的情況下，由以上觀點出發，應該可以了解我們無法要求他們對同一首樂曲作出相同的價值判斷，縱使感受相同，意義上認定的距離卻可能背道而馳（我們不能「要求」他們一樣，亦不能阻止某些時候產生較「相似的一樣」）。
上述的情形，透過廣泛的學習、文化的認知以及本身音樂涵養的全面進程，可以大幅縮減差異之間的距離，這時候，「自由心證」係依附著客觀的，所謂的「標準」這樣東西存在，此時音樂欣賞過程所獲得的意義，在本質上比前述情形來得更有價值。當然，每一個人學習過程中所經歷得並不盡相同，「標準」的認定亦難加以格式化，因此，基本上這個「標準」從音樂技術上來說可能較具體，從音樂美學或心理學甚至哲學的角度去看，就可能依舊是個人化、模糊的定義。但是，經過淬鍊後的主觀，比起未經醇化的客觀，其價值自然不可同日而語。
如前所述，在音樂欣賞的過程中少不了版本比較的情況，假如能夠有意識的、有選擇性的、有系統的運用版本比較這件事，則不論是安排好的或隨機的情形，對於聆賞者都能造就相當的成績。問題是筆者在此所謂的方法，實在難以歸類或列舉，因為音樂畢竟是文化的一部分，牽扯了太多人文的因素在裡頭，小到一個休止符，大到一個樂團的組合，都有太多人文因素在裡面。從作曲家醞釀一個作品，到完成一首作品，經過數十、百年來社會的、音樂的價值認定與變化，再到某一個演奏家的學習與詮釋，在某一種場合與情形下將之錄成唱片，透過錄音工程師的技術與唱片公司的宣傳，將其行銷至世界各地，然後，某一個受過某些文化影響的人，在有意識或無意識的情形下買了這一張唱片，進行一連串的欣賞歷程。這些環節中，處處都存在相當的人文成份，就如同沙盤推演一般，在某個環節處所作的選擇，都會影響下一個方向。比較簡單的說法是，在某一特定時刻，某一個人的心靈只能選擇某一種邏輯，可以用單純的「欣賞」來形容；複雜一點的說，就是在某一段時間中，選擇幾個路徑來作比較，以此種方式選擇不同的唱片，就是在此所謂的「版本比較」。由此可知，版本比較的範圍並不侷限在一般人觀念中所謂「不同音樂家所演奏的同一首樂曲」，或其他少數幾種既定的形式。而是可以依循個別差異作交叉選擇，自我系統建立，在有概念的情形下，一種多重的、可變的形式。
版本比較實例
大致上，版本比較方法的建立，可以依循歷史與形式這兩個元素去發展，任何一個變數都可以成為另一個系統發展的重點，因此，可以「變」出的花樣非常多，這裡僅簡單的舉例，其餘就由讀者自行發展。
以貝多芬的小提琴協奏曲為例子，最常見的方法是單純地拿不同演奏家之間的異同做比較，但是亦可將其鎖定在某位演奏家不同時期的詮釋來作比較。將這些小提琴家以某種主觀的方式分組之後，也可以得到不同的趣味，例如，單聲道時期與立體聲時期，或是弗萊許（Flesch）系統與奧爾（Auer）系統之間的比較等等其他方式。我們也可以拿貝多芬其他協奏曲拿來作一比較，或與同時期、前後期的作曲家同一曲式的作品作比較，當然，也可利用作品序號、完稿日期前後關係作一比較等等，方法實在難以盡述，而對某人有特別意義的方法，也不一定對另外的人具備相同價值。因此，一種自我模式的建立，在音樂欣賞的過程實在重要的基礎。對於有心深入的愛樂者，尤其是音樂科系的學生，依循理論的基礎去組織這個系統則更顯重要。
在文章的最後，筆者除了要強調版本比較時客觀態度的重要性外，也希望特別強調一下心靈活動的絕對必要。不論是以用功的心態或遊戲的心態作版本比較，或者甚至只有純粹「欣賞」不帶「比較」這個痛苦的字眼，最重要的倒不是上述的方法，而是聆賞者足夠自由、寬闊的心靈空間。藝術的活動當然是人文的部份菁華，在欣賞的過程倘若能兼顧技術與精神、形式與內容，當然再好不過，假使力有未逮，寧可重精神、重內容，從思想的角度去著手，而這如非具有一個自由、寬闊的心靈世界，則難以達成。更何況，若非具備這個自由寬闊的心靈，又如何能鞭策自己去發展，變出多樣化的版本比較方法呢？為此，筆者衷心的期望，所有的唱片消費者，都能很幸福的，走入自己的一片音樂園地。
感謝 張淨淳 同學屢次相助，幫我把紙本文章打成電子檔。
