誰照譜演奏 ??

誰照譜演奏 ??

最近幾個話題 : 老大師的巴哈不要聽、巴哈不要有感情..........，大部分都是來自於某種程度的"人家說"，說真的，聽他們所論述的，似乎有那麼一點的道理呢 !! 但是，是這樣的嗎?

本來想說這個問題其實滿複雜的，也懶得寫 (我老覺得，這種硬文章，這個年代還有誰要看?)。但是這兩天又看到某位其實我很喜歡的音樂家提到 : 「我最在意的是照譜演奏」，讓我又激起先來談論個綱要的念頭。

把上述幾個普遍存在的說法湊在一起，就是通常在音樂教學裡經常有老師會提起的論點 :「巴哈是很嚴謹的作曲家、巴洛克音樂不應該很浪漫、不要做超出譜上的表情 ---- 」換句話說，照譜演奏就是不應該有所表現 !! 是這樣嗎?

先來舉個大家都容易理解的例子。

  

"床前明月光疑似地上霜舉頭望明月低頭思故鄉"


大家一定都記得，小時候在學校的時候，老師總是會叫人起來念課文，大部的人怎麼念 ? 當然是照書念，而且，不帶任何表情、越快越好，只求不念錯，才不管聽起來像甚麼、別人能不能聽懂。對不? 有沒有錯? 當然沒錯，可是重點是毫無意義，毫無"傳達訊息"的意義。

試著用學生時代那種口吻念一次上面這首詩。你感覺如何? 如何帶出基本的"溝通"?

對說話者而言，把字一個個唸出來，聽者可能會以為你毫無誠意、或是並無真義。說話的人會帶上"語氣"、"情緒"，有了這兩者，才開始有溝通，是吧?

要達到這一層，不能只是"認字"、"讀字"，要有詞組、分句、輕重、緩急。對外國人而言，這是真正比背單字難的。

回到上面大家熟悉的詩 :

外國人可能會唸成 :
"床  前明  月  光疑  似地  上霜舉  頭望明 月 低頭  思故   鄉"

糟了，字都對耶，可是意思呢? 他傳達出的是毫無意義的詞組，雖然照字唸對 !!

等他學多了一些，他開始知道，這詩是五字一組，然後他可能唸成
"床前明月光  疑似地上霜  舉頭望明月  低頭思故鄉"

嗯，好多了，開始有人聽懂了。但是這樣唸給人聽，好像也沒傳達任何訊息，就像小時候背書一樣。

有一天他要參加演講、或是朗讀比賽，老師可能會教他 :
"床前~明月光，疑似~地上霜。舉頭~望明月，低頭~思故鄉"

多了詞組，讓景物、腳色、場景、動作都鮮明了起來，開始有了說服力了。

接下去，就是語氣輕重了，是強調"床前" - 場景，還是"明月" - 景物，或是"光" - 背景。有沒有個準? 當然沒有，但是，這就是整個文化背景會帶出的差異性所在，風格就在這裡產生。一個飽讀詩書的文人，唸出來肯定讓你如臨現場。一個不瞭解傳統的外籍生，肯定生硬。

其實，看到此，應該就知道我的用意了。音樂是沒有文字的語言，但是他溝通的方式與能力，和語言是相仿的。

譜上記載的，當然是基本的音符架構，透過音樂史、和聲學、曲式學、以及演奏風格演進等等的全面學習，就能夠讓你掌握更全面向的表達能力。就像高明的詩人，知道如何透過文字巧妙地傳達細膩的感受，優秀的作曲家，也會在作品中編織各色情感。不同境界的演奏者，自然會帶出不同境界的表現。問題在於許多的"表現"問題是無法言喻的、也不須明說，因為那正是趣味所在、藝術所在。就像上述那個"光"，在不同人的眼中，肯定有不同的色調、色溫，誰才是正確表達?? 從音樂的本意是"傳達"，而非"判決"來看的話，只要你成功傳達，就是正確的，而這種"正確"是多樣、豐富，而非對、錯分別的。但是話說回來，沒有掌握箇中意涵、無法表達各種素材的，不能自稱這是自我的展現，如同上面那種照書、卻錯誤的唸書法。

這個就是 "詮釋"，音樂的表現一定要有詮釋，而詮釋一定是照著譜 (古典音樂)，所以有所高下。

一個認為巴哈很嚴謹所以無感情的，肯定沒讀過巴哈的歷史，沒聽說過當時的教會如何抱怨他，演奏管風琴經常用極為新穎、刺激的和絃，讓教會人士不堪其擾。沒讀過他為了學習新的事物徒步走了多久去學習，更沒想過他是如何不停的用新的手法，重新改寫曾經創作好的作品.........。一個如此具有"創新"能力的人，竟然在現在被當成學究的、保守的? 實在只能無言。創作技術無懈可擊，跟創作意念無趣可言，怎麼可以拿來因為所以??

最後，應該可以理解，還沒超過"記譜正確"的，當然談不上演奏，而演奏境界，當然來自個人解析的高下。所
謂的"照譜演奏"，對我而言只是假議題而已。

該不該用肩墊?!?!

該不該用肩墊?!?!

近年來，不停地有一些老師、教授，提出一種觀念，認為"好的小提琴家不要用肩墊"、"不用肩墊讓我的身體和琴有直接的接觸"、"不用肩墊聲音比較好"......等等的觀念，不僅強迫自己，也強迫學生接受、改變原本習慣用肩墊的演奏習慣，更指出如 : 海飛茲、帕爾曼、林昭亮等都不用肩墊的例子來強化自己的觀點。

先說明一個個人的認知。Issac Stern在"從毛澤東到莫札特"這部紀錄片中，要求學生放棄肩墊，但從他的衣服底下抽出一大塊海綿墊，笑說是他的秘密武器.....。林昭亮演奏時，也可清楚看到衣服下的大塊海綿。

衣服上的是肩墊，衣服下不是肩墊嗎?????

不用肩墊的，大部分是早一代的音樂家，從歷史來看，更早的音樂家是連腮托都沒有的!! 腮拖是史博的發明，肩墊雖沒有明確的發明紀錄，但是以布塊、海綿去填補肩、頸與琴間的空隙，應該是一種自發的行為。就近年來，許多"ˇ古樂"的演奏者甚至提出用腮托就不是真正古樂的觀點!! 從這種"返古風潮"發展來思考，演奏家出門坐高鐵肯定氣質不符，應該改坐馬車，才能正確演奏莫札特的快板!!

那些演奏家用肩墊?
歐伊斯特拉夫、克雷曼、鄭京和、恩尼斯等和年輕世代的演奏家們

你覺得他們的成就較低嗎?

簡而言之，過去沒有肩墊的年代，就像手排車年代一樣，初學的門檻較高。現在的自排車讓許多初學者可以輕鬆地將注意力放在其他要務上，不會因為排檔的問題卡住不前，但是社會上還是有一種觀點，好像開手排的都是專家!! 厲害的都開手排!! 最好所有F-1賽車都改成手排才准上場好了。
肩墊也是一樣。過去初學的門檻更高，因為必須克服如何穩固的架琴這個課題，許多人在這個關節就被迫退下，有了肩墊，初學者更快上手，何樂不為?

曾經花了很大力氣，用實證的方式，證明有沒有用肩墊，聲音的改變堧對演奏者有影響，對聽者卻未必產生改變。間單的說，沒用肩墊，身體多了鎖骨與琴直接接觸，骨頭的密度大於空氣，聲音傳到也多於空氣，因此演奏者身體會因此聽到更多"直接音"，聽眾無法感受到演奏者的鎖骨傳導，怎可能感受到? 從實證，用肩墊時，提琴背板的震動因為架高了而更自如，理論上聲音會更宏亮，但是這一點較無客觀依據，畢竟，不用肩墊者若是姿勢正確，也不會壓抑琴板震動的。

優缺點
不用肩墊最大的優點，在於少了牽絆、少了累贅，不僅體力上如此，心理上也是。但是反過來說用肩墊卻也提供使用者安全感與穩定性。

少了牽絆一定較自由，多了穩定一定多了累贅。這好像在講婚姻一般，要不要結婚，是種選擇，而不是對錯。用不用肩墊也是一樣的。

原則    ---    先決定腮拖樣式，再決定肩墊

若是腮拖高度、形式的改變已經可以讓你輕易的架琴，當然就不須再考慮肩墊。

有人脖子長、肩膀窄、斜，肯定需要尋找肩墊的輔助，最好的方式是在專家的輔助下，調整前後、高低，嘗試各種肩墊以期找出最適合的樣式。重點是越輕越好。
以前曾經分享過，使用肩墊的人大多的問題是過高，這同樣會造成頸椎傷害，不可不慎。我的實際經驗中，就曾有學生因為姿勢不良導致的頸椎彎曲，在調整姿勢後，數周內頸椎復原的神奇案例(學生父親在場見證，這位學生現念北藝大劇場)。

用不用肩墊，重點在能不能正確演奏，而不是盲從或迷信。有辦法拉的好，管你用手還是腳!!
作為專業的老師，應該輔助學生做最是當的選擇，才是學生福氣。

談緊張

 

...我的小孩，上台會緊張、上課會胃痛.....

經常，可以聽到學生、家長間的對談，似乎總覺得，『上台緊張』是導致臨場表現欠佳的原因。多半聽到的，多是：平常好好的，因為太緊張所以失常，連去老師家 上課也會緊張到頭痛.....等等這類的疑問。這些年，自己的學生比較有機會聽到我對這個課題的分析與分享，在理解、實踐我的分析後，不論是樂團、或是個 別學生，幾乎都可以有更合與理想的表現。因此，我相信，這個幫助我們克服緊張的想法，應該是個值得跟大家分享的好觀念。

大家都會緊張嗎

舞台恐懼症是所有學音樂的人，除了演奏上必要學習的所有技術、學理以外，必須面對，卻又似乎無從學習起的障礙。雖然大致上說來，多多累積經驗是克服舞台恐懼必須的條件、也是最重要解藥之一，但是，難道沒有其他更有實質幫助的方法嗎?

上台緊張，一點都不稀奇。小學上國語課時，老師叫到你的名字，要你站起來念課文，大部分人一定是不由自主的緊張起來，雖然明明就只是 "照本宣科"，有那麼嚴重嗎?

平時大家說話聊天時，搞笑、嬉戲，一點都沒問題，但是要你把剛剛說的、做的內容搬到講台、舞台上再重現一次，幾乎所有的人，都會瞬間失去平常他所擁有的自信、自在。為甚麼?
把以上日常就會發生的狀況，加上 -『你必須即時操作一項極其繁複的樂器，來演奏內容有萬千變化的樂曲』- 就是音樂家、學生們在舞台上所要面對的。從自己當學生時期開始，經常就在各種場合，聽到家長們努力的安慰孩子、同學們努力的互相打氣 -- "不要緊張"、"幹嘛這麼緊張" ----- 等等，有時候真的會適得其反，因為，這些鼓勵似乎更加提醒他，現在是該多麼緊張的時刻啊！很多在舞台上征戰多年的大音樂家們，也多有各自一套獨門妙方，去 克服各自的緊張，例如：指揮家伯恩斯坦，會在上台前親吻他手上那只，前輩大師庫賽維茲基贈與的戒指作為祝福；魯賓斯坦上台前，會大吃大喝一頓；亨利‧梅哲 則習慣在步入舞台前，深吸一口Marlboro後，像隻火龍般，噴著菸走上舞台......。這些小 撇步未必真是絕招、未必合你所用，只是讓大家知道，緊張是大家都會有的，甚至於，是必須的。

適度"緊張"是必要的

就像競賽場上的選手，準備衝刺的短跑選手、投球的投手、準備揮棒的打擊手.....一樣，緊張讓他們的身體產生變化，進入備戰狀態以應付當時的所有狀況。 緊張讓你聚精會神、全神貫注，甚至讓你忘記身旁發生的大小事件，這種緊張，讓你全心投入演奏的當下，在心底營造、鋪陳音樂進行中的絲絲細節。少了這一層緊 張，表現的內容相對鬆散、懶散，少了抓緊聽眾的魅力。理解這一層正面的意義，先讓克服過度的恐懼有了基礎的支持。但是當這個緊張過頭了、全身發抖、肌肉不 受控制、胃痛、心悸，嚴重到讓演奏無法順利進行，那就不對了!!

有極少特例是生理上病態的反應，強烈到必須用藥物來控制，這部分必須要由專家醫生來處理，當然就不是我所能討論的。除了上述情形以外，我們必須從心理的層 面，接受上台的緊張、恐懼這件事，是大家都會、甚至於是必要、正常、平凡的事實。最好的方法，就是正面的學習如何跟它和平共處，不要刻意的去壓抑他。我把 理解、克服緊張的方法，分成兩個層面來分析：1. 練習 2. 演出。透過這樣的分享、期盼讓學琴的各位理解緊張的來由，甚至可以幫助你，克服你的舞台恐慌。

第一 比上台嚴格的心情練習

海飛茲的名言『上台前，我都做了百分之一百二十的準備』。這句話的重點，並不在百分之多少 (後來很多人學他，百分之兩百、百分之三百......)，也不在最後演出成果的完美與否，他最大的意義在於讓你可以充滿真正的自信、不帶猶豫的走上舞 台。為甚麼？我花了很多年的時間，才懂他的意思。

我自己是個上課幾乎不發脾氣、不太會生氣的老師，但是經常聽到家長告訴我，學生到我面前上課，是何等的緊張、失常。家長經常替小孩解釋，他今天太緊張、失 常 了.....等等。為甚麼經常面對的老師、應該是 "經驗值" 足夠的熟人，為何會緊張？這道理其實不難懂，"標準" 兩個字而已。當學生面對要求嚴格的老師時，他知道平常的練習不夠紮實、老師要求的重點尚未解決、自己的問題也還沒熟練，但是，因著大部分人都有的共通問 題，包括我在內 -『惰性』 - 平常練習時，拉爽的時間，比解決問題的時間多；只為了應付家長、老師的練習時數要求，如同自圓其說般的，只用最低的自我要求練習。但是，當他意識到即將面 對的，是一個很清楚、客觀、非他可以左右的標準時 - 老師的標準、聽眾、評審..的標準時，還沒開始演奏，他的淺意識已經告訴他自己，高低成果都將攤在陽光底下。這種心情跟壞事即將被揭發的人的心情，是非常 相似的。學生來到老師面前、演奏者步上舞台，共通的，是，即將面對自己平日練習時意志軟弱的後果，而冷漠的老師表情、空蕩蕩的舞台，就是讓這種軟弱 無所遁形的照妖鏡。

有人喜歡在上台前，先來個試演會、或是家庭音樂會，無非就是希望在真正上台前，先一次面對這種 "坦蕩蕩" 的心情。但我必須說，若是練習的心態不變，再多的試演，也是枉然。因為，只有正確的練習心態、方法，才可能真正解決樂曲中，演奏技術與內涵的諸多難題，才 可能真正踏實的，從自己心底讓自己 "心安"。上台前，很嚴格、誠實的、毫不打折的做準備，無愧於心，是克服上台恐慌最簡單、直接，卻也最被忽視的一點。用舞台上的、老師的標準來練琴，而不 是急著想休息、或是應付媽媽時間要求...等等的標準來練習。當練習的 "自我標準" 提高到這個水準後，"壞事被揭發" 的緊張、恐懼，就得以消弭，舞台恐懼症也解決了前半了。

當然，只解決了前半。舞台上要面對的，跟練習是截然不同的。練習需要、也可以再來一次、多次。不滿意，可止中斷、重來。但是，上台只有一次，一旦開始，就 是到結束下台，或下不了台。更不用說，上台前，這世界上根本沒有絕對 "我準備好了" 這回事。所謂 『台上一分鐘，台下十年功』，前半段講的是台下十年功，那『台上』的心裡又該如何建設？

第二 平常心

平常心三個字很簡單，但是，上台明明就不是很平常的事，甚至於多數都是很特別、很重要的時候，要如何在這些很不平常的時候，卻又能帶著平常心上台？或許，就是需要幾個心態的調整。

1. 不要期待有更好的成績
那是不可能的！你只能展現你自己練習的成果而已，無論你在台上那一刻，做了任何努力，你都只能展現自己原有的準備。是的，就是只能展現你所準備的材料而 已。你準備的若是麻婆豆腐，無論如何努力，都不能把它煮成紅燒獅子頭。想要有何種高超的表現，只有靠練習的態度可以幫你。

2. 用『分享』的心態，而非『爭取』或『征服』
分享的心態很重要，它讓你的演奏不會是冷冰冰的展示品。真心地讓聽者，去感受你所感受的美妙、你感受的感動、你感受的呼吸。讓參與的人，可以知道，這些聲 音是多麼美妙的世界。分享，不是展現、不是炫耀，不論是塊餅乾、還是大餐，這是『我』與你真心地分享。真心、誠意的把我自己與你分享，是克服上台最重要、 也最難的態度。

3. 享受可能發生任何狀態的不確定感
不要擔心失常。你上台展現的，就是平時練習的結果，但是，有太多狀況卻也不是平日練習時可能面面俱到的。每天的氣溫、濕度、空間...，甚至生理狀態，都 可能改變的情形下，學習接受、甚至享受那些與自己預期不同的結果。讓這種『神來之筆』成為演出中的亮點。老師Auclair 甚至鼓勵我：Take a Chance ，冒個險吧。接受、享受這種不確定感，你的演奏將更活靈活現。

4. 理解並接受『誤差』是自然現象
理解第4點，這點應該很容易接受，獨立出來，只是希望強調，不要期待完美的演出。知道上帝、老天爺也都會有誤差，不要讓自己有超乎凡人的期待。這其實也是第一點的意義。期待完美，只是不切實際的空想、更是造成不必要緊張壓力的來源。

5. 不要想複製昨天的成功
這一點很多人忽略了。偶而，我也會意識到，我正因為試圖複製上次成功的經驗，而讓自己陷入危機。時間是不停歇的，人的活動也是無法回頭，在思考著如何複製 過去的成功的同時，你失去了客觀判斷眼前挑戰的能力，結果將會是災難。前面提到，每天的各種狀況都不可能一樣，所以，每天也會有不一樣的結果。正面的接受 這個事實，人生將會是多彩且豐富的。阿甘正傳裡，有一句我非常喜歡的話：Life was like a box of chocolates. You never know what you're gonna get. “生命就像一盒巧克力。你永遠也不會知道你將拿到什麼 ”。不要讓昨天的成功，成為今天的壓力。

結語

記得，只有在第一點練習的心態確實面對後，第二點平常心才是正面的意義。許多學生，錯把『平常心』當成平日練習的態度，更誤將『嚴格的要求成果』當成上台時的心態，就是最大程度的造成自己緊張的原因。

試著用這兩階段的心態做準備、面對，或許慢慢地，你也會發現，每次上台都可以是獨一無二、值得享受當下的美妙經驗呢！