2016年4月5日 星期二

預約一把小提琴



    最近朋友間聊到一個問題,談到有些琴友們會向製琴師預定、訂製一把小提琴。為自己訂製一把屬於自己的琴,聽起來似乎真的很不錯。製琴師為我打造屬於我的一把小提琴!這是多麼讓人心動啊!但是,用這樣的方式買琴,是否真的適合呢?還是有其他該注意卻未注意的眉角?
在談正題之前, 請容我先來談談過去我所觀察到的,買鋼琴的一些現象。(雖然我不是鋼琴老師)
    大致上,我們很習慣選購一台新鋼琴的時候,鋼琴經銷商是『原封』把鋼琴運到你家樓下,拆開木框 (假如有的話),露出閃亮的嶄新鋼琴,搬到定位。然後,調音師進場,略施手藝後,這台鋼琴就開始成為你的生命共同體,直到你離開那台琴、或是它離開你。在它進到你的生命中之前,你唯一知道的是,你是它的唯一,它從來沒有在別人手下唱過歌。但是,你根本不知道它會不會唱歌!就像過去的指腹為婚,你沒有機會選擇你可以與誰為伴,因為當你決定要買一台新的鋼琴時,這個到府拆琴的模式,就是讓你直到掀起頭蓋那一刻,才知道站在你前面的是圓、還是扁,而且是你必須無條件承受的。
    假使,有機會在歐、美國家求學、買琴,就會猛然發現,原來,買鋼琴不是到經銷商處訂購後,把琴運到家門口、拆開封裝,用純潔無瑕的面貌交給買家這樣的模式在運作。
在美求學時,有了幾次機會,曾經陪同朋友到過史坦威、貝森多夫的經銷處選琴。看到的景像是,同一個型號的三角鋼琴,都有幾台排在你的眼前,讓你可以慢慢試彈奏每一部琴,直到你決定,哪一部琴是你的選擇。你可以很清楚的,知道你所挑選的那台剛琴的性格、特色。你挑走的,可能是別人不喜歡的。別人不喜歡的,可能正是你要的。這樣的方式,不會如同到府拆琴一樣,像極了在買彩券、樂透,全憑運氣。兩種買賣方式,一個強調全新,一個強調合用。思維上,一個是買家具,一個是買工具。依目前現狀,進口的新鋼琴仍舊是到府拆箱,只有當店面有擺設、或是二手鋼琴等情形下,可以挑琴。實務上,除非有其他選擇機會,我也多半推薦朋友選購質優的二手鋼琴。
當然,鋼琴家開音樂會用的多半不是自己的樂器,不過,那是另一回事,也請容我在此略過。
至此,朋友們應該知道,我想表達的主旨了。不管是哪種樂器,哪種工具,順手、合用,才是最重要的原則。任何需要工具的行業,這應該是不變的真理。
                     然後,把重點拉回到小提琴上,一把你從未謀面的樂器,意義何在?
這也算是提琴市場的特殊現象。某個你並不想用它,只想用它獲利的物品,你在乎的一定是市場價值,而非實用性如何。譬如說:股票。誰管這張股票後面的產品、意義如何,我管的是這張股票會不會賺錢,我哪管它老闆是魏XX、還是王XX!
       假使,你買一把琴的目的是投資,這篇文章是毫無幫助的。但是對使用者,學生也好、演奏家也好,需要的,是一把可以陪著他們學習、成長的工具 - 樂器,絕不是股票、或是藝術品。
記住一個事實,製琴師無法完全操控他所製作樂器的聲音。高明的製琴師能控制的,是樂器發聲的『機能』,但是每塊木頭天生的特性,是不可能轉換的。縱使是如史特拉第發利、瓜奈里這種等級的樂器,也不能做到每一把都有過人的表現。更不用說,那些產量稀少、經驗有限的一般製琴師。越是在意樂器聲音表現的,越應該仔細的體驗、測試個別樂器在操控上的不同反應、聲音所表現的特質,然後理解這些滿意的與不滿意的部分,是否能夠用哪種方式調整、加強、解決,或是必須放棄。所以,選琴的過程必須非常謹慎、小心,必須盡可能客觀、全面後,做自己主觀的選擇的。但是,訂做、預約,完全顧不了這些要求,結果如何,就是製琴師單方面說了算,除非是純投資,你願意嗎?
     買琴要注意的細節真的很多,真的很難一一點出。這裡能夠順便提醒的,就是盡量找專業的琴商買琴。雖然很不願意,但必須指出的是,賣琴的人很多,但具有專業能力的很少。這些半吊子琴商看中的,是自己一知半解情形下,就可以獲得的豐厚利潤。既然不是為了服務顧客的實際需要,當然不可能花費時間、精力,去習得真正的專業知識與技術。不管是老師、朋友、路人甲,只要是賣你琴的人,在行為上就是琴商。各類說詞真的五花八門,不少打著自己收藏、換琴換購、學生賣琴、家長賣琴等等奇怪名號的,有可能根本是掮客。你以為他說幫你整理琴、調整琴,卻只是一張嘴敢說而已,琴整完就完了。看他口沫橫飛、製琴師名字如數家珍、到處跟製琴師合照,其實他也就只能看看標籤、跟製琴師拍拍照而已。專業的琴商需要的是多年技術、知識與概念的養成。在你要選擇一把琴之前,或許先學會如何選擇到一位可以信任、可以長期為你服務的琴商,才是更重要的課題,畢竟,提琴,不是買了就好,買了樂器,後續的調整、維修、諮商,不僅是長期的服務,也更是專業之所在。

2016年3月18日 星期五

為甚麼叫他 『青蛙』?

弓弦樂器如:小提琴、或大提琴,所使用的弓,上頭有個通常是黑檀刻製、加上銀圈、貝殼裝飾的物件,我們叫他做 "馬尾庫" - 原文做 『FROG- 直接翻譯是 – 青蛙!

這真是一個太奇怪的命名了!難道它跟青蛙有任何關係嗎?
這塊汽車模型也叫做frog

試試從網路上,能不能找到一點蛛絲馬跡呢?

製作青蛙?

首先,第一個說法是,古老製弓師傅用來做弓的虎鉗台,外型長得像隻青蛙。可是,這一點目前沒有任何圖片、證據可供佐證,以近代虎鉗台的外觀,實在很難讓人聯想。

第二種說法,弓根的字有可能來自德文froshfroshfrogs 都是指馬蹄的部位,因為frog是位於馬腿的底部,而馬尾庫也是位於弓根部位,因此,也稱為frog。不過,我覺得有點遷強就是了。不過,至少找到一個frog的用法,指的不是青蛙。

第三種說法,有人說,在弓根處演奏時,若給太多的重量時,會發出不平均、類似蛙鳴的聲音。-- 這我實在不太相信。

第四種說法,有人說是因為,當初發明馬尾庫的人,約與史特拉第發利同時期,名字叫做Helmut Gorf,他的姓氏Gorf倒過來寫,就是frog!!!哈哈哈,這應該是網路笑話,可別當真了。

第五種說法,是最常見的說法,就是馬尾庫長得像青蛙,所以叫青蛙!我找了很久,終於找到一張青蛙外型的馬尾庫來驗證這種說法。但是,我不認為這是證據。畢竟,不是太多馬尾庫長這樣啊。我試著把古代樣式的馬尾庫與青蛙做連結,或許,我們可以在這圖形中,透過延伸的四肢,找到與青蛙的關聯。不過還是有點遷強,不是嗎?
像嗎?

真的是青蛙
這就是 frog

名字叫frog
在尋找這個答案的過程中,我注意到,兩道鐵道交叉處的道岔,名字就是叫做frog
這個道岔部位,應該也是因為長得像青蛙四條腿的樣子,所以才叫frog吧?
兩軌道接合之處,就叫frog。弓桿身與馬尾接合的軌道,就是馬尾庫 – FROG
似乎接近真相了吧?

其實,frog本身有個目前少用的字義,它指的是:綁住、固定東西的物件,就叫做frog。扣住衣服的結、綁住劍套的帶子、甚至綁住馬克杯的帶子....,都可以叫做frog。所以,從鐵軌道岔,到弓的馬尾庫,指的都是這個字義。當然,在弓上,指的就是綁住馬尾、固定、調整馬尾張力的 --- 馬尾庫。

所以,我的結論就是,叫做frog,應該與青蛙無關,而是功能上傳統的命名而已。

合理嗎?我想,這應該是最合理的解釋了吧。鼓鼓掌,謝謝!

2016年2月11日 星期四

慢練的意義 – 怎麼慢?怎麼練?

    這個話題真是個不容易說明、卻又極為重要的課題。學生時期,聽著師長、前輩、或是文章中,總是提到 『慢練』的重要性。從理智去思考,也確實理解,慢練是件重要、也應該是極為有效的方法,可是,卻總沒見過稍稍深入解釋,到底慢練是怎麼個意義、怎麼個方法?當時真有幾次,耐起性子,確實的將功課給『慢練』了好幾回,卻是感受不到慢練帶給我有何效益,心底下得到的疑問卻是越多。慢練,真的是這樣子一小節、一小節、一小節.......,慢慢的拉奏下去,就會有效果嗎?前陣子,帕爾曼的大師班,也強調『慢練』的重要性,也有許多朋友在FB轉貼這個訊息,更顯見,這個課題確實得到很多的認同。然而,同樣的疑問依舊存在。有篇中國樂器的分享文章,似乎是比較明確的說明了『慢練』的方法,當中甚至提到,比原速慢一倍以上,才算慢練。但是,真是這樣嗎?

我們從這個觀點來切入這個題目,因為這也是我最原先的認知 - 慢練就是用比原始速度更慢的速度來練習。這看似合理,在初始階段也應該適用。但是,設想,一首15分鐘的樂曲,放慢一倍,就要30分鐘,原先一個鐘頭可以練習四次,慢練只能兩次,雖然可以幫助『熟讀』樂譜,但效率也似乎欠佳。再者,假設,樂曲分為ABCDE五個段落,AE段是主題,C段是變奏,BD兩段是有難度的不同技巧花腔,五個段落用同樣的方式練習,這樣的方法聰明嗎?簡單的段落與困難的段落,是不是該用不同的心態面對?

我的練習不夠嗎?

我一直自認為是個會找方法練習的學生。直到與 Michele Auclair 學習的初期,卻紮紮實實的踢了鐵板。某次上課,她告訴我:『我知道你很認真練習,但是你的練習不夠聰明、不夠有效率.......』,猶如當頭棒喝般,當時,真的是無比生氣、無比羞愧。課後,思考、檢討許久,才慢慢體會,老師當時上課的方法、要求,與練琴的原則。之後,觀察學生練習、回想自己過去的練習,才真正體會,『慢練』真正的意義與方法。

當時,老師非常強調練習時『右手的問題、右手解決,左手的問題、左手解決』。咦?這不就是鋼琴左右手分開練的原則嗎!從這點出發,練習的意義就在 "解決問題",而『慢練』的意義,不就應該是慢慢的練習、或說是『耐心而有效率』的練習更恰當?國際上大師們提到的 Practice Slowly,是否更應該理解成 『耐心的練習』,而非 『慢速的練習』?我經常跟學生們解釋,『慢速練習很重要,但是不能解決快速演奏時的問題』,舉例,F1賽車,經常需要高速過彎,這些需要極高度全方位協調的動作,需要先用慢速來了解場地、車輛、甚至氣候的狀態,但是,慢速練習無法解決高速過彎時所需要的操控感,它必須藉由逐漸提高的速度,逐漸接近、甚至提升臨界值,來取得無以倫比的操駕技術。也就是說,快速操駕的技巧,必須藉由快速操駕得來,因為,所有的物理、生理特性,在不同速度時,會有著截然不同的反應。舉出這個例子,只是要再次說明,『慢練』絕對不只是慢速度的練習而已,它真正的意義,應該更是『耐心而有效率』練習 - Practice Slowly – 慢慢地練習。是一種練習的態度,而不只是速度的快慢。

所以,接續著這個話題下去的,當然就是如何『耐心而有效率』的練習。這個問題,又比起上述慢練更複雜。我想,在有限的篇幅底下,能做的,就只提出幾個重點與大家分享。

為甚麼上台會失常、會緊張

很多學生都會說:『在家裡明明練得很好,為甚麼來上課就彈不好?』、『今天太緊張了,所以失常』、『今天琴怪怪的,怎麼跟平常反應不一樣..........,其實,這些都只反映出一個事實,那就是練習的方法出了問題,也就是沒練好。所有的專業其實都是一樣的,透過不停的練習、操作,去逼出問題、發現問題,更進而能夠解決問題。因此,練習時採取較緩慢的速度,固然得以取得針對目標的熟悉程度。但是,練習的強度不足,卻也不足以逼出未來現實上可能發生的問題。軍隊的演習就是一個更大、更複雜的好例子。訓練強度不足的部隊,上戰場猶如當槍靶子一般。而訓練不足、或說練習不足的演奏者,上台真的就是等著看笑話,這也是許多人上台會緊張、肚子會絞痛、肌肉會無法控制的原因,因為,當事人內心深處非常清楚,有多少地方是根本沒有練習妥當的。或許,帕爾曼所說過的這句話,可以作為我的註解:"If you practice something slowly, you forget it slowly. If you practice something fast, you forget it fast." 。『練得慢,忘得慢。練得快,忘得快』,很顯然的,至少在這裡,』慢練』指的不單只是用很慢的速度練習而已。另外,曾經聽說過一個故事:年輕的鄭京和與海飛茲上課,學習的課目是孟德爾頌小提琴協奏曲的第三樂章,鄭京和架起小提琴,開始演奏起輕快的第三樂章,沒多久,海飛茲就示意她停下,說:『快一點』,鄭京和加快速度,再次演奏,海飛茲又要他停下,『快一點』,如此數次直至鄭京和無法用更快的速度演奏,海飛茲告訴她: 『你還沒準備好』!我們雖然不知道這個故事的真假,但是可以肯定的是,掌握快速演奏的協調能力,肯定不是光用慢速度演奏,可以達成的。

慢練的意義與方法

以下,就分享幾個經常與學生提到的重點,跟大家分享。我常覺得,若是我早些理解、或有管道得知這些道理,我現在應該能夠演奏得更好、進步的更多吧?希望,這些我到成年後才悟出的練習要點,能購對學琴者們,有所幫助:
  1. 慢速 慢速的意義,在於更仔細、更全面的觀察、理解樂曲中的細節,也就是說,透過猶如慢動作般的演奏,放大呈現樂曲中所存在的各種變化。因此,慢速練習時,必須更明確、甚至更誇張的將觀察、理解的細節,猶如顯微鏡般地展現出來。所以,慢速練習第一個要點:它是一種心與腦的練習。同樣的,對於操作技術上而言,慢速練習也可以幫助建立協調的基礎認知,猶如賽車手、運動選手透過慢速度的動作模擬,去找到肢體協調的步調與感受。個人認為,就是第二個要點:毫無意義、毫無想法的慢速練習,只是浪費時間。甚至於,毫無目的的慢速練習,只是磨掉對音樂的耐性而已。所以,對學生、孩子要求慢速練習時,務必引導清楚的練習方向。
  2. 控制力 無論是慢速、快速,控制力是最重要的要點。under control 是所有事情的指標,當然更是演奏的指標。沒有控制的慢、與沒有控制得快一樣糟糕。控制力不會在練習的初期就能夠全面擁有。那是隨著練習、與日俱進的能力。也就是說,除了肢體的練習,心裡對曲子的掌握也必須隨之精進。在這個層面,離開樂器的練習就是非常的重要。就像賽車手,必須離開車輛去熟悉包括路況、天候等等情況一般重要。學習演奏的人,不只是整天在樂器上操作而已,必須離開樂器,透過其他的學習,諸如:樂理、樂器學、和聲學、音樂史...等等,更重要的是,欣賞前代大師們的錄音遺產,去學習、理解所演奏的樂曲內涵、結構、細節、涵義、演進....等等特徵。有理解,才有控制的能力。不知道賽道長相、特性、甚至過去賽車手的成績,我想應該很難突破既有成績的。
  3. 分段 這是練習最重要的觀念之一。練習最糟糕的習慣,也是幾乎所有學生都會犯的問題 (不少指揮家也只能如此),就是 – 從頭到尾走一次。當然,從頭到尾演奏是有它的意義,它可以讓演奏者感受到樂曲整體的架構與脈絡,但那無法解決絕大部分的問題。也就是說,從頭到尾演奏,也必須是在有所對應、有意識的情形下,視為練習的一部分去安排。若是每次都從頭到尾,如同許多指揮與樂團排練般,縱使能夠提出問題,卻沒有、或無能解決問題,甚至根本無法發現問題,這樣子從頭到尾的演奏,就沒有任何練習的意義。甚至,它就是更後面會提到的,只是增加犯錯的機率而已。
    越大的曲子,越需要利用分段的方式練習。因為分了段落,精神更能集中,更能針對問題、解決問題。並透過集中、高強度的重複練習,加強心、手、肢體對樂曲的內容、技巧的掌控。更重要的,適當的分段,讓樂曲的架構成為練習的依據之一,不僅演奏時有更加明確的結構性,也能對應到背譜的可靠度。利用分段練習,腦中自然劃分出樂曲的段落地圖,縱使演奏時突發狀況發生,也因為對段落的了然於胸,可以不慌不呒的從最適當處接續演奏。
    更細的分段練習,還有助於高強度的解決段落中特殊的技術問題,這些問題,都是從頭演奏時肯定會卡住的地方,卻不是從頭到尾演奏可以解決的。
    碰到問題時,停下腳步,思考一下下面所提出的要點。
  4. 分析 先前有文章分享過,發現問題,才能解決問題,解決問題,才能真正進步。練習時碰到難題,藉由分段可以確實停下腳步、面對問題。如同上面提到的,對弦樂器演奏者而言,必須要學會如同鋼琴般的分手解決。在樂曲中,左手按弦的問題,不外乎指法、音準與其他相搭配的基礎條件。右手弓法要解決的,則有更多的細節要照顧:上下弓、弓的部位、句法、強弱變化、弓的位置、換弦、換弓.....。碰到問題時,務必停下腳步,分析問題的所在,並確實的解決問題。
    例如,許多人在練習跳弓的樂句時,不停地反覆練習跳弓、把問題歸結給跳弓技巧不好、甚至於是弓不好的結論。殊不知,經常碰到的實況,是左手按指與右手協調欠佳、或是右手運弓換弦的觀念欠佳這兩個關鍵問題上。或許,下次碰到這樣的情形,試著用連弓的方式,以八個音、或更多個音用一弓演奏,同時,檢查一下,左手按弦是否不平均,或是利用分弓、平弓的方式放慢速度練習,檢查是否右手換弦與左手失去協調。之後,或許你也會發現,原來,跳弓一點都不難。
  5. 方法 因此,分析了問題,就是要找出相對應的方法。這點在此就很難深入,因為,光這點,肯定就可以出一本單行本來討論。不過,只要仔細理解、學習各種練習曲,就可以累積這些練習的方法。簡單的說,練習曲,就是教育家們創作出的方法,用來解決樂曲中會出現的問題的樂曲。所以,話說回來,毫無目的的演奏練習曲,不僅僅毫無幫助,甚至浪費時間。了解每一首練習曲練習的目的,仔細學習、掌握它的技巧與方法,並在樂曲碰到類似問題時應用上,是最實際的建議。其他的,真的就是經驗、判斷力的累積了。
  6. 重複 針對問題,重複的練習,應該是最不需要解釋的重點。我們都看過這句話:"practice makes perfect" - "練習成就完美"。當然,完美是不可能的,所以練習是不能停歇的。但是,這句話真正的意義,在於不停的練習,也就是重複的練習。透過上述分段的方法,我們在極短的時間內,高強度的重複同樣的樂句、動作,是確實掌握該段樂句或技巧的不二法門。很多學生雖然學會了,卻忘了足夠強度的重複,隔天起床,肯定又是從頭。但是,有一點極為重要,必須要特別注意,那就是下一個重點。
  7. 避免出錯 不少學生在練習時,都有一個不自知的問題。練習時出錯,不斷地、努力地重複的練習這錯誤的段落,直到某次不小心拉對了,自覺總算可以停下腳步了。殊不知,重複練習了100次錯誤後,只演奏了1次正確的話,下一回正確的機率還是幾乎等於0。房子蓋好了,重建前還得先拆掉原先完成的。錯誤的習慣一旦養成,也得先洗掉錯誤的習慣啊。是的,不要老是出錯、改錯。盡量在第一次、甚至每一次練習,都只演奏正確的。這也就是為何一開始要用慢速度 "找路" 的原因了 - 免得把車子撞爛了 - 也就是說,別讓錯誤的經驗、或訊息,搞爛了你對曲子的認知。避免練習時重複出錯,是我經常告誡學生的重點。特別是當學生沒有耐心、沒有思考,只是不斷拉奏錯誤時 (這是許多學生共通的問題),我都會問他們:你寫2+2=5,寫100次,答案會不會突然變成2+2=4?答案當然是不會的。錯誤的答案要如何變成正確的?當然是停下腳步,審視問題、並且解決問題。許多學生會努力的一而再、再而三的練習 "同樣的錯誤",造就的結果,當然是非常穩定的錯誤。除非你解決它,否則,錯誤不會自然修正變成正確。你練習的是錯誤的,重複的結果就是錯誤的習慣。只有重複練習正確的,才會成就正確的習慣、正確的結局。因此,回顧上面所敘述,毫無目的的練琴,練得越多,傷害可能越大。你以為的進步,其實是經驗增加而已,演奏的結局卻是越大的災難卻不自知。
  8. 不要過度練習 練過多比練不足可能傷害更深。過度練習,除了因為注意力的消失,造成無意間養成自以為正確的壞習慣外,最糟糕的狀況,將可能是身體永久性的傷害。任何行業,都會有一定程度的職業傷害。所以,不用對職業傷害太過大驚小怪,縱使你整天躺在床上,也會對身體有其他不良的影響。對我們而言,問題在於:能不能一方面又有足夠強度的練習 – 不論是精神上、或肢體筋肉上,確保練習的成果,又能夠適時的休息,緩和練習對身心疲勞所帶來的傷害。我想,對小提琴家而言,一天4~5個鐘頭全心投入的練習,是最多的極限。以我個人的經驗,練習強度最高的時期,是在新英格蘭音樂院學習時。那時,不論當天是否有管弦樂團練習、室內樂等其他演奏、排練、上課等時程,自己單純練琴的時間就是四個鐘頭。每個鐘頭間休習約十分鐘。不少時候,碰上樂團排練、室內樂排練、上課等等,又再加上自主練習,一天拉琴的時間超過9個鐘頭。那時,到了晚上,帶著極度疲憊、卻又想繼續練下去,總會有隔壁琴房的朋友看不下去,告訴我『不要再練了,回去休息吧!』。現在想想,確實如此。不過,對於那些練習顯然不足的大部分學生們,請不要用這點當藉口吧。

對我而言,所謂的『慢練』,真正的意義,就是上面我所描述的總體。或許,會特別強調慢練的重要性,是因為學生們都把『快』當做厲害,『慢』當成是無能。其實,慢有慢的難、快有快的難。有些問題,就是要慢速來解決,另外有些問題,或許反而是要快才能練就。假使這篇文章對您有意義,應該就可以理解,孩子每天練習多久不是問題的核心,怎麼練、練了甚麼,才是重點。練習正確的,累積的就是正確的。練習錯誤的,累積當然就是錯誤的。練習時間要多久、要練幾次,都不是重點。

該練習多久、該練幾次、該練多快、多慢...,或許都是其次,練習的效率,才是關鍵所在。


2016年1月25日 星期一

冷知識,冷答案

冷知識

有沒有發現,小提琴曲目中,效果最好、最受歡迎的,許多都是D大調或是d小調?

貝多芬、布拉姆斯、柴可夫斯基、莫札特第四號、帕格尼尼第一號、普羅高菲夫第一號等等協奏曲.......是D大調。

巴哈無伴奏第二組曲含"夏康"、布拉姆斯第三號奏鳴曲、巴哈雙小提琴、舒曼、西貝流士、威尼奧夫斯基第二、哈查都量.....是d小調。

是巧合嗎?還是有道理呢?

為甚麼小提琴作品中,最 "正大光明" 的C大調卻反而比不上D大調多,甚至比A大 (小) 調、G大 (小) 調還少見?

冷答案

為甚麼小提琴曲目偏好D大、小調?

首先,因為小提琴是五度純律定弦,D調在小提琴上最容易轉調。從D調 (不論大、小調) 出發,屬調A、或是下屬調G,甚至屬調的屬調E,都是純五度,也就是根音是在五度絕對純粹的音律中進行,沒有需要妥協的地方。也正因如此,D調音階中與和 聲進行關係最密切的屬音、下屬音、屬的屬 (E),因為是純律,只要曲中出現這幾個音或其和聲上相對應的音,都可以得到琴上其他空弦的共鳴 "響應",因此,可以得到音色最燦爛輝煌的效果。其他音階裡的音符,正好可以依不同和聲所需,藉由手指的控制達到完善的音響。比方說,D大調的升Fa,或 是d小調的還原fa,正好可以靠手指頭的移動來配合調性的需要。G大、小調,A大小調,E大小調和弦同理。這些基礎和弦中的音準不會有衝突產生。因此,只要你 確實掌握好,這幾個和弦是可以演奏 "純律" 的準確。

那四條空弦不也都是對應C大調的音階,為何C大調不流行?

我們用簡單的算式來解釋,除了更了解上面D調的特殊優勢,更可以理解為何最簡單的C大調,在調性音樂中,反而較少出現在小提琴曲中的原因。或許更是間接證明,至少部分作曲家可能是理解這些原理的。

我們先定義 A=440HZ (整數較好計算),小提琴的四條空弦就是
E = 660hz (440*3/2)
A = 440hz
D = 293.3hz (440*2/3)
G = 195.6hz (293.3*2/3)

在四條空弦是準確的情形下,C大調的一級和弦 Do - Mi - Sol 無法定義!也就是說,演奏者的音準無法定義!!!

別驚訝。若是耳朵訓練夠好的小提琴家,演奏聖桑第三號小提琴協奏曲的第三樂章第一個和弦 g-e-b-e,應該會發現,當g-e的六度準確,同時e-b的五度準確時,最高的b-e兩個音太寬,也就是說,從空弦G定義的六度E較低,跟五度調音定義的E較高,是不同的音高!

(簡答至此,若覺得算式太難,請跳結論)

不信嗎?算給你看。

G的純律大六度E,是
G =195.6,所以 E = 195.6 * 5/3 = 326
但是,我們的空弦低八度是 E = 660/2 = 330
若是取空弦E下方八度E,再定義小三度G,是
E = 660 / 2 = 330 (低八度)
E的上方三度 G
E = 330 * 6/5 = 396
得到 G=396,396/2 = 198,比空弦準確的 G=195.6 要來的高。

所以
空弦G來的G、E分別是:195.6 HZ 與 326 HZ
空弦E來的G、E分別是:198 HZ 與 330

因此,在演奏牽涉到G、E這兩個音的和絃時,變成是一個極為棘手的問題。在 E 無法單一認定時,連帶的,C當然也是浮動的音高。

下面是進一步驗證,覺得太難也可以略過,跳最後結論:

當 E = 660,下方 C = 660 * 4/5 = 528
若從G空弦找音準,上方四度再高八度的C
當G = 195.6,C = 195.6 * 4/3 = 260.8,高八度260.8 *2 = 521.6
(或如譜例先八度,再加四度的話,結果相同
G = 195.6,高八度 195.6*2 = 391.2,C = 391.2 * 4/3 = 521.6)

結論

我們又得到兩組音準:

從E空弦來的 C = 528
從G空弦來的 C = 521.6

從以上的算式,我們知道,光是 C大調主和弦在小提琴上就碰到很大的矛盾,勢必要有所妥協,而這也就是 "調律法" 存在的根本意義。小提琴上只有四個音高 (空弦) 固定,就這麼麻煩,當然可以理解,鋼琴所有音符都是固定音高,要妥協音律有多麼困難 (很有意思的是,調律法的英文是 temperament,脾氣、氣質!不同的調律法有不同的氣質!) 。


看看所附的譜例,這是布拉姆斯的F-A-E Sonata 中的詼諧曲,演奏這首曲子時,有覺得老是找不到音準嗎?假使你有耐心看完,這裡就是告訴你為甚麼了。

2016年1月23日 星期六

琴盒裡的秘密



今天這個話題較輕鬆,來看看提琴盒子裡『要』與『不要』放些甚麼東西。



首先,先看看那些是 『必要』放在琴盒裡的東西。既然是必須放在琴盒子裡的,代表的是與你演奏必然相關的物品,當然,指的是 琴、弓與肩墊 (看個人),之外所必需特別準備的,至於個人其他非關演奏的物品,自然不在此提及,當然,也建議不要放置琴盒子裡。

一、 必要品項:


1. 備用弦:弦的壽命,若是每日約平均三小時的操作,壽命不超過3個月,不是斷了才換。使用過度的琴弦會影響音準、音色。建議琴盒中準備G、D、A 一套,再加兩條E弦當備弦。至少也應備有A、E弦各一條。不要買太多備用弦,放太久弦會氧化。

2. 松香:這要提醒好像很好笑,可是真的很多人忘了放松香,注意蓋子、盒子要完整,否則到處會沾黏。

3. 鉛筆、擦子:不管是個人、團體練習、排練,鉛筆擦子都是必備的,所以養成習慣琴盒子裡放一套。鉛筆建議至少2B以上,不要用如0.5等細筆尖、不要用原子筆寫譜。盡量不要用有色筆,塗寫越多,樂譜越不容易閱讀。

4. 小方巾:棉質的小方巾最適合擦汗,尤其適合清潔操作樂器的手部。琴頸、指板、腮托、弓的握把部分,容易沾染汗水的地方,用小方巾可以隨時抹乾。增加練習效率,也顧及衛生,比手帕好用太多。個人喜歡白色,比較知道何時該洗了。

5. 嬰兒紗布手帕:這是專門用來清潔松香的。紗布清潔弦上、弓上的松香特別容易。也可使用舊的男性純棉內衣代替。每隔一陣子,用肥皂就可以很容易簡單清洗。

6. 擦琴布:第三塊布是專用擦琴身所有漆面的布。鋼琴布、或是專用的棉布、羊絨布都可。三塊布各有用途,避免混用,以免松香、汗水與琴身互相沾黏,越擦越髒。

7. 指甲剪:是的,放個小指甲剪在琴盒子裡,隨時檢查自己的指甲。指甲過長,不僅妨礙左手操作、影響音色,更容易傷到琴弦、指板。

8. 弱音器:只要有參加樂團,一定是必備品項。個人曲目偶也需要,因此,學習到一定程度者接必備。

9. 調音器:練習期間,特別是每次開始前,必須隨時注意自己樂器空弦音準的正確,準備 『可以發出音高』的調音器具,如:調音器、調音笛或音叉 (建議 A=442HZ)。不要用指針式的調音器調音,那是用眼睛調音,不是耳朵。當然,與任何固定音高樂器合奏,如鋼琴,標準音須來自該項樂器。現在智慧型手機多有調音器功能,可多加利用。請參考:調音器的使用

二、 非必要品項:


1. 酒精:酒精用來清潔琴弦非常好用,甚至也是清潔紙板上剩餘松香的好方法。但依我個人習慣,若是隨時用前面所說的分三塊布清潔,並不需要每次用酒精清潔。用酒精清潔更要注意絕對不能沾到任何漆面。因此更要確認裝酒精的容器必須 "絕對安全"。因此,不列入必要品項。

2. 音柱工具:若是懂得音柱調整的方法、原理,當然就自備一枝音柱鉤,有時甚至是自助助人。當然,除非有把握、有學過,否則絕對絕對不要亂插亂調,因為非常容易傷到琴板。

3. 腮托板手:若是平常有注意,一般而言腮托鬆落的機率不大。不過,一根腮托板手就那一點點大小,帶在身邊也無妨。

4. 弦栓蠟:換弦時,視需要塗上一點弦栓蠟,除了更不容易突然鬆脫,也更好旋轉調音。若平常已經有注意,帶不帶在身邊倒是無妨。

5. 電子小型溼度計:因為誤差太大,幾乎所有的指針是溼度計都是裝飾品,若能找到小型而準確的溼度計,對判斷環境濕度當然有幫助。不過,除非你能夠控制現場溫溼度,否則,除了提醒,那也起不了作用。

6. 增濕器 (各種Humidifier:如Dampit、Stretto等等):對大陸型氣候的乾燥天氣而言,這是非常重要的必要品項。樂器過度乾燥比起受潮更加危險、傷害更大,出國時記得了解當地天候狀況,適時準備。在台灣因為大部分時候都是過度潮濕的天候,因此不列入必備。

三、 避免品項:


1. 琴油:平常若是注意隨手清潔,幾乎不太需要使用琴油。頂多一年一次,做個細部SPA就夠了,帶個琴油,萬一洩漏,根本自找麻煩。

2. 乾燥劑包:這也是很常見的,許多人以為放個乾燥包可以除溼,但實際上一點用處都沒有。相反的,吸飽溼氣的乾燥包等同增溼器搬,讓濕氣與你的樂器常相左右。詳情可參考:https://goo.gl/zKTwdJ

3. 香精、香包:內含的化學揮發物質是否對琴有不良的影響不可得知,原則上建議儘量避免。

4. 食物:這根本無須解釋,除非你想要與螞蟻、蟑螂、老鼠一起練琴,否則請絕對避免。

以上所提,單純個人經驗分享,沒有絕對的對錯。當然,也必須因時、因地而做調整。您可以參考我的意見,加上自己的需求,檢查一下自己琴盒子裡,少了甚麼、多了甚麼!

2016年1月20日 星期三

弦樂器 發聲的三個基本要件

所有弓弦樂器,演奏上最重要、最複雜而難以掌握的,應該不左手的音準問題,右手發聲的種種問題,困難度、複雜度比起左手,只會更多,不會更少。不比演奏鋼琴時,演奏者在按下一個琴鍵的同時,就可以完成:音量、音高、音色三個樂音的基本要素。弦樂器演奏者在發出每一個具備這三個基本要件的樂音時,其實是靠著雙手的複雜協調來完成。這個原因也正是弦樂器之所以既難以入門、更難以深入的主因。

顯而易見的,樂音的三個要素中,音高是靠左手按弦改變弦長來決定的。而音量、音色這兩項,則是右手弓法的重責大任。當然,左手的抖音可以修飾、增色情緒上的感染力,但是沒有右手弓法的適時配合,再漂亮的抖音也是枉然。簡單的說,沒有左手,你可以演奏出只有四個音的聲音。沒有右手,甚麼都沒有。

很可惜的是,長期的觀察下,大部分人只注意、強調左手的技術、音準、音符的正確,卻極少有人意識到,右手弓法影響演奏水準的程度有多深。俄國大師密爾斯坦 (Nathan Milstein) 常說:小提琴的演奏藝術,百分之七十來自右手。假使不能參透右手弓法的基本原理,除非你是極為幸運地、碰巧用對方法,或是萬中選一、不須指引的天才,否則,要想掌握演奏上最最複雜的變化,根本是癡心妄想。

試著用三張簡單的圖解,從 "" 的角度來說明右手弓法最基本的必要變數。


首先,先用第一張圖將三個變數呈現在一起,我們可以看到,影響弦樂器發聲的三個要素,就是

  1. 重量 Weight
  2. 速度 Velocity
  3. 接觸點 Sounding Point

這三個要素間是互為變數的關係,也就是當其中一個條件改變時,另外兩者也會跟著微調,也就會造就不同結果的聲音音色、音量,我們用Tone來表示。先把這張圖放在心裡面,我先用第二張圖解說重量與速度這兩個變數對演奏上的重要性與影響。

首先,我們必須理解,弦樂器是靠 『摩擦力』來發出聲音,演奏運弓時,透過重量與速度,施給琴弦作用力使琴弦震動,再透過物理上的包括槓桿原理在內的種種機制驅動琴橋、面板產生震動,發出聲音。因此,第一個要建立的想法,就是不能以為 『運弓的多少決定聲音的大小』!聲音的大小,來自於重量與速度的搭配。從實際的觀察,弓的重量甚至比起速度更是必須首先考量的。演奏時,我們必須先將弓放在弦上準備,並給予適當的壓力,用以取得良好的起音。之後給予適當的速度,就發出適切的、具有很好起音的聲音。更不用說,沒有適當的重量,用再多的弓,聲音也是黯淡、空虛、漂浮而少了質感。縱使是特殊的色彩奏法,如 Sul TastoFlautando,也是一種懸殊的重量、速度調整的結果。做個譬喻,用鏟子挖土,必須適當地將鏟子挖到土裡,再施以適當的速度,就可以鏟起所預想分量的泥土。光是用力揮動產子,唯一做到的,只是揚起漫天灰塵而已。能夠理解這個道理,應該可以體會我所強調的,重量才是運弓、發聲的第一要素。我常常跟學生們形容,先給重量,然後再用速度去釋放能量。當然,重量過多、速度不足所導致的結果,就像是鏟了過多的土方,卻無法給予足夠速度一樣讓鏟子卡在土哩,在弦樂器上,就是過度壓弦所產生的沙啞、粗糙的發聲。



第二張圖中,我們從琴橋後方的角度位置來觀察,往下的重量,加上水平移動的速度,所加總的,就是實際對琴弦作『功』(Force) 的『合力』,這個合力會出現在運弓方向的相對夾角。重量越多,合力越往下方。速度越大,合力往水平方向移動。越往下方的合力,對琴面板所作的功越大,所以:

重量越多,速度越慢,合力對面板做功越大,聲音也越大。
重量越少,速度越快,合力對面板做功越小,聲音就越小。

看到這裡,有沒有覺得似乎挑戰了你原有的概念?記得某位脾氣暴躁的前輩指揮家,每次總是暴跳如雷的大罵弦樂部門:『小聲幹嘛用那麼多弓?』,或是『大聲為甚麼不多用些弓?』,這類的指示。偏偏,有此種迷思的,還不只是不懂裝懂的指揮而已,許多拉弦樂的朋友也常常誤解了個極為重要的基本。

再回到第二張圖,途中紫色的部分就是『合力』,會隨著藍色的重力、紅色的速度改變。你可以試試看,在較重的壓力時,用快速的運弓,造成的反而是像近馬奏Sul Ponticello 般的哨音似的雜音。有個訣竅,提供給相信我這個理論的朋友,練習運弓時,心理想像圖上那條紫色的『合力』線條,依所需要的聲音調整線條的方向,想像著力量是隨著這條線條的走向運行,對你的發聲會有極大的助益。



先談過前兩個要素後,第三個必然的要素『接觸點 Sounding Point』再加進來討論,比較容易理解。琴弦固定在兩個端點:小馬nut、琴橋Bridge,他的擺動幅度在中心點最大
、兩端最小,也就是說:

越靠近中心點,越容易驅動。
越靠近兩個端點,越難驅動。

記住這個道理,回頭看看前面提到的,所以:

重量大的弓速慢、能量大,適合較難驅動的 -> 靠琴橋 -> 位置C
重量輕的弓速快、能量小,適合較易驅動的 -> 靠指板 -> 位置A

位置B當然就是最普遍的發聲點。過去曾有老師說,大師Fritz Kreisler 克萊斯勒最喜歡用這個位置演奏,所以稱這個位置是 『Kreisler Highway』。我想,除了讓我們加深這個位置所發生的特性外 – 溫暖、飽滿,沒有特別的意義。畢竟,沒有人會用這個位置演奏所有音樂。而大部分人,也多是最常在這個位置發生的,不是嗎?點與點之間,當然並無任何明確分段。此處的標記,只是做為引導之用而已。

如此一來,我們就建立起絃樂器發聲的基本模型了。有了這個模型當基礎,練習起來也才有個確切依循的根據。必須記得的是,上面所說的各種重量、速度、發聲點,都可以有各種各樣的變數搭配,用以形成不同的結果。譬如,固定重量、發聲點,增加或減少弓的速度當然可以改變音量、音色,但是在一個極限以外,一定必須配合其他變數的微調,才有可能拉奏出最有質感的好聲音。也就是說,當掌握了基本的道理後,如何運用、運用的結果就是個人的功力與造詣了。要強調的是,沒有認識基本的道理,要真實掌握紮實的演奏技術,似乎只是空想。

弓法所掌握的,包括了演奏時幾乎所有的力度、表情、色彩、張力、語法、連斷,加上左手抖音的潤色,才能成就富有說服力的音樂。確實掌握右手運弓的基礎道理,並且紮實的演練各種工法的變形,才是學習演奏能夠進步的最大保證。


談完右手技術的基本元素,或許有機會再找時間,分析、解說左手技術的構成要件,跟大家分享。 

2016年1月2日 星期六

The manuscript of Bach's Cello suites by Johann Sebastian Bach did not survive.
The most important source for this music is the one copied
by his wife Anna Magdalena Bach.

巴哈大提琴組曲的親筆稿並沒有留下來,這份巴哈太太 Anna Magdalena Bach 的手稿,是幾份流傳下來的手稿中最重要的,注意觀察,當中紅色標記的小節

measure 32 has an extra half
bar in Anna Magdalena
Bach's manuscipt. let's listen to it.

巴哈太太在32小節多了半小節。比較兩個版本的譜,
然後欣賞照Anna Magdalena 的抄本所演奏的錄音

Both recordings were played by M.
Rostropovich, the one without extra measure was
from his EMI recording's CD version, and the one
contained extra measure was taken from DVD.
Why he played it differently?

兩個版本都是羅斯托波維奇在EMI的錄音,沒有額
外半小節的版本來自CD,有多額外音符的來自
DVD。為何同一份錄音要分成不同內容?